Mientras la furgoneta de la protagonista del filme de la realizadora china-norteamericana, Chloé Zhao (Pekín, 1982), se aleja por una interminable e ignota carretera hacia el oeste de los Estados Unidos en busca de una nueva vida, aparece en la pantalla, justo antes del famoso The End, una significativa dedicatoria “a los que tuvieron que partir”. Una ofrenda que deja al espectador meditabundo sobre el futuro de esa mujer privada duramente del quimérico “sueño americano”. Y es que la resuelta Fern (desbordante de verdad Frances McDormand), que así se llama ella, una trabajadora que ha perdido a su marido, su trabajo y su hogar, al igual que muchos otros hombres y mujeres desahuciados por la crisis capitalista, ha cogido sus escasos enseres y se ha echado al camino hastiada de la vida urbana y en busca de un trabajo temporero con el que poder sobrevivir.

Desde que Akira Kurosawa (1910-1998) tuvo conocimiento en sus inicios como cineasta del libro autobiográfico, Dersú Uzalà, del naturalista y explorador ruso Vladímir Arseniev (1872-1930), el gran director japonés quiso adaptarlo inmediatamente al cine. Si no lo  hizo en aquel momento fue por no disponer de la financiación necesaria para ello. Por tanto hubo de pasar bastante tiempo, pero sobre todo  que se produjeran dos acontecimientos personales de gran trascendencia, para que aquel ansiado deseo se convirtiera en realidad. Uno de los sucesos ocurrió en 1970 con la caída en depresión e intento de suicidio del genial artista tras el tremendo fracaso de su única incursión en Hollywood con la coproducción norteamericana-japonesa “Tora! Tora! Tora!”, un filme sobre el bombardeo japonés de Pearl Harbor, y el otro acontecimiento, igualmente significativo, consistió en ver cumplidos sus deseos de poder rodar una película  en la URSS.

Estrenada en diciembre del año pasado en España, esta película de animación, coproducción franco-belga-española, avalada por importantes reconocimientos en los festivales de Berlín y Valladolid, obtuvo el pasado 12 de marzo, durante la celebración de los Premios César del cine francés, el premio al mejor filme en esa categoría. Culminaba así una larga trayectoria que sus autores, el director del filme, Aurel, popular dibujante en periódicos como Le Monde o Le Canard enchâiné, y el productor, Serge Lalou, investigador en la Universidad Paul-Valery de Montpellier, habían iniciado unos años antes. “Nunca habríamos imaginado llegar hasta aquí, cuando, justo antes de empezar el lanzamiento del filme, estuvimos a dos dedos de abandonar por falta de medios. Finalmente ha sido gracias al inmenso apoyo de la región de Occitania que todo ha sido posible”, afirmaron ambos en el momento de recoger el preciado galardón.

Que jamás se olvide

Cuando el mes pasado comenté el excelente filme del no menos interesante director norteamericano Martin Ritt, “Norma Rae” (1979), mencioné de pasada otra extraordinaria película sobre la lucha sindical y por la emancipación femenina de la opresión machista, “La sal de la tierra”, del también realizador estadounidense Herbert J. Biberman (1900-1971). Pues bien, aquella breve referencia a la cinta de este director me hizo pensar que su película merecía un mayor espacio en esta resuelta sección. Por tres razones básicamente: por cómo y en qué circunstancias se consumó el arriesgado proyecto artístico; por el talento cinematográfico y el compromiso político de su realizador (uno de los numerosos cineastas perseguidos por el macartismo en Hollywood) y para que los y las jóvenes conozcan el combate de esos artistas y este filme que, construido alrededor de la lucha de clases, es esencialmente militante y feminista.

Con “Norma Rae” el cine se viste de mujer. De mujer proletaria. Una película realizada por el siempre interesante director norteamericano Martin Ritt (1920-1990) en 1979. Un filme del que podemos afirmar, sin temor a equivocarnos, que con el ineluctable paso del tiempo no ha cogido ninguna arruga. Por tanto, “Norma Rae” sigue produciendo las mismas intensas emociones y los mismos irreprimibles deseos de rebelión contra la explotación capitalista y el enfermizo machismo que el día de su estreno. Hace ahora 42 años. Entonces yo tenía 30 años y todos los molares para dentellar la vida, ahora rondo los 73 y, aunque los incisivos no están para tirar cohetes, sigo teniendo las mismas ganas de luchar y de vivir. Sentimientos que trasmite a la perfección esta cinta ejemplar.

Inmersos en la pandemia del SARS-CoV-2, cumpliendo con todas las medidas sanitarias, la Asociación de Amistad con Cuba “Miguel Hernández de Alicante, presentó la proyección junto a su director Sergio Gregori Marugán (1997 Alicante) del largometraje documental “UNBLOCK CUBA”.

La ópera prima del joven director de tan solo 23 años presenta un retrato veraz de la historia más reciente de Cuba. Rodada sobre el terreno entre el año 2017 y 2019. El documental retrata desde la guerra de independencia, el triunfo de la revolución cubana hasta la actualidad, con el mandato de Miguel Díaz-Canel y la aplicación del Título III de la Ley Helms-Burton por la administración Trump.

Dos razones me decantaron por escribir este Travelling: la reciente provocación de Marruecos contra el pueblo saharaui, que con su brazo armado el Frente Polisario, reclama la independencia del Sahara Occidental, y el hecho de que cayera entre mis manos un excelente DVD que había perdido de vista rodando el tiempo: “La batalla de Argel”, del realizador italiano Gilo Pontecorvo. Un cineasta comunista y resistente antifascista durante la Segunda Guerra Mundial conocido por películas tan emblemáticas para mi generación, y merecedoras de ser divulgadas entre los jóvenes, como “Kapò” (1960), sobre los campos de exterminio nazis; “Queimada” (1969), un magnífico relato de cómo un imperio puede manipular una lucha revolucionaria en beneficio propio, u “Operación Ogro” (1979), sobre el atentado a Carrero Blanco en diciembre de 1973.

 

“Amigos míos, retened esto: no hay malas hierbas ni hombres malos. No hay más que malos cultivadores”. Con esta frase escrita en 1862 por el poeta y novelista francés Víctor Hugo en su obra maestra, “Los miserables”, finaliza tajantemente la homónima “ópera prima” del realizador maliense Ladj Ly (Malí, 1980). A la manera de un potente gancho en el mentón del espectador. Y es que el asunto no es para menos en esta sobrecogedora historia de jóvenes marginados de la banlieue (suburbio) parisiense. Una juventud sin futuro (la misma que en 2005, Nicolas Sarkozy, entonces ministro del interior, tildó de racaille, chusma) y unos lugares como las afueras de París, que este debutante y prometedor cineasta conoce al dedillo. Unas duras existencias, la suya y la de esos chicos postergados, que Ladj Ly retrató ya en un percutante cortometraje, en 2017, igualmente titulado “Los miserables”, y por el que fue nominado a los premios Cesar.

“Una canción de Víctor Jara es más peligrosa que cien metralletas juntas. Era una gran amenaza, lo tenían que matar”, afirma una mujer emocionada en el impresionante documental de Netflix: “Masacre en el estadio”, sobre el asesinato del cantautor chileno perpetrado vilmente el 16 de septiembre de 1973, cinco días después de que el presidente electo, Salvador Allende, muriera sepultado en el Palacio de la Moneda bajo las bombas del general golpista Augusto Pinochet, hace ahora 47 años.

Me la recomendó el menor de mis hijos hace unos días. Contento me dijo: “Papá, seguro que esta peli sobre Cuba te va a gustar. El caso de los “Cinco cubanos” acusados de espionaje y encarcelados en Estados Unidos durante muchos años está tratado en sus justos términos”. Yo, acostumbrado por desgracia a tanta inmundicia vertida sobre Cuba y su Revolución, escuché el consejo de mi entusiasta benjamín con sorpresa y escepticismo pero igualmente con el firme propósito de ver la película a las primeras de cambio. Y así lo hice. La otra noche la vi por Netflix, ese medio de difusión cinematográfico que nos priva de las salas oscuras y de una visión colectiva, pero que al mismo tiempo, en épocas excepcionales como esta de la mortífera pandemia, evita alejarnos del 7º Arte.